Hasta La Creative!

Durante dez dias, a ilustradora Cecilia Beaven vai praticamente morar em um outdoor instalado na Cidade do México. Atendendo pedidos através do Twitter, ou se inspirando com as mensagens, ela desenha na placa dia e noite.

A ação é da marca de papelaria Scribe, que está documentando a arte no site scribebillboard.com, além de realizar streaming ao vivo. Para participar, basta publicar um tweet com a hashtag #ScribeBillboard.

A criação é das agências Viva! e La Doblevida.

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
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Danny Cooke é um cineasta baseado na Grã-Bretanha, com uma bela bagagem de projetos que incluem documentários, curtas e vídeo-clipes, além de filmes experimentais e comerciais. Entre seus projetos mais recentes está The Making of John Mayer’s ‘Born & Raised’ Artwork, um documentário que registra os bastidores do trabalho de David A. Smith, um designer especializado na criação tipográfica de placas de vidro ornamentais, feitas à mão, e espelhos decorativos.

Só pelo tipo de trabalho que faz, David já renderia um documentário – a exemplo do registro feito pela Jack Daniels no ano passado -, mas se você é fã de John Mayer e curtiu a capa do disco Born & Raised, está na hora de conhecer o homem por trás desta arte – e como foi que ele a criou. Apaixonante.

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A Adobe e a Red Bull estão convidando artistas de 85 países para fazerem parte do Red Bull Collective Art, um projeto que pretende criar a maior obra de arte coletiva do mundo. Cada um poderá contribuir da maneira que quiser, seja com pintura, desenho, rabisco… Para participar, é preciso se cadastrar no site e escolher uma data entre 11 e 24 de março. Uma hora antes de seu tempo começar, você receberá um alerta. Quando a janela do tempo se iniciar, você deverá baixar o arquivo e dar continuidade ao trabalho do último colaborador e, em seguida, enviar o arquivo para o próximo da lista.

Para dar o pontapé inicial no projeto, foram convidados 27 artistas de diversos países, como Coreia do Sul, Itália, Estados Unidos, Romênia, Alemanha e Japão.

As inscrições podem ser feitas até 23 de março e os participantes vão receber uma cópia gratuita do Adobe Creative Cloud. O resultado deste projeto coletivo será apresentado em uma exposição itinerante que será levada a diversos países, a partir de maio.

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Independente de técnicas e estilos, a ilustração é onipresente em diversas mídias. Não importa se é jornal, revista, HQ’s, internet ou TV, lá estão elas, para informar ou, melhor ainda, expressando ideias, autorais e de valor artístico.

O novo vídeo da série Off Book da PBS fala da “arte da ilustração”, e conversa com ilustradores de diversos meios sobre a história e as diferentes técnicas do trabalho.

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Os mundos do cinema, games e arte interativa integram-se constantemente, tornando-se híbridos e dando abertura às experiências para além da tela. O Creators Project, em parceria com o centro de tecnologia Eyebeam e o estúdio de efeitos visuais Framestore, tem desenvolvido projetos que visam explorar a convergência desta paisagem visual com novas narrativas. Com um grupo de cineastas, programadores, artistas e designers, o futuro do cinema começou a ser investigado no programa New Cinema.

Como acredita Arlindo Machado, “os vários meios diferentes – cinema, vídeo, televisão, multimídia, game, mobile – estão convergindo em direção a um meio novo, único, mas plural”.

Deste time, Karolina Sobecka e Sofy Yuditskaya, inspirados pelos recentes eventos naturais como o Furacão Sandy, criaram uma experiência que agrega tempestades e inundações usando live action e 3D. O projeto, We Make The Weather, funciona com o espectador usando um sensor de microfone que monitora sua respiração e rastreia seu fluxo e refluxo. Estas informações são, então, usadas para alimentar os recursos narrativos, visuais e sonoros do projeto, em tempo real.

Como parte do vídeo da instalação, uma barreira glacial virtual foi construída usando o Unity 3D – ferramenta para game popular entre artistas de arte interativa e especialistas em efeitos visuais. Neste contexto, uma figura anônima tenta cruzar uma ponte para chegar ao outro lado da ilha, mas nunca o consegue em função de obstáculos que são adicionados no caminho.

O design de som, composto via PureData, experimenta com a sensacão de uma tumultuada tempestade.

A partir de muita pesquisa e experimentos como esse, vemos a linguagem do cinema se difundir em outros meios, e adotando influências destes para si.

Assim, o cinema vive um momento de reinvenção, unindo-se às demais artes e criando obras que propiciam outras maneiras de se relacionar com as imagens, com o espaço, o tempo, os sentidos e o espectador.

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Hello Lamp Post!, um projeto de arte que deixará a cidade de Bristol mais interativa, foi o vencedor do Playable City Award deste ano. Criado pelo estúdo de design PAN, de Londres, a ideia é convidar as pessoas a conversarem com os objetivos inanimados da cidade enquanto esbarram por eles.

Cada objeto terá um código único, identificável ao público. Por exemplo: caixas postais em Bristol terão um código de 6 dígitos, bancos de 7 e bueiros de 14.

Com isso, o usuário poderá enviar a mensagem “Hello + nome do objeto + seu código” para um número de telefone especial e o objeto instantaneamente ganhará vida, mandando uma mensagem de texto de volta ao usuário, com perguntas como “Onde estou?”, “Como eu me parece?” e “Qual a coisa mais interessante aqui por perto?”. As respostas serão armazenadas em um banco de dados, que alimentará novas perguntas.

“Eu amo os sussuros das ruas, humanizando nossa cidade cujos olhos e ouvidos agora tem voz. Uma conversa em evolução, nos conectando. Eles estavam lá o tempo todo!” – Imogen Heap, no site do projeto

O projeto, a ser lançado no meio deste ano, reflete o conceito de internet das coisas de maneira simplificada, transformando a forma como as pessoas interagem com o mundo físico e inanimado, apenas com uma mensagem de texto.

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Todo designer que se preze já se questionou sobre a relação da sua área com a arte. Pensando nisso, e aproveitando seu aniversário de 2 anos, o AntiCast divulgou o trailer acima como forma de promover seu áudio-documentário “Arte e Design”, que será lançado dia 7 de fevereiro.

Abordando temas como as diferenças de metodologias, motivações, expressões, identidade, espaço em museus e história, os convidados (que vão desde pesquisadores acadêmicos até profissionais do campo) explanarão suas opiniões, criando um rico mosaico de discursos para compreensão mais ampla dessa polêmica relação.

O áudio-documentário conta com as participações de Alexandre Wollner, Rafael Cardoso, André Stolarski, Saulo Mileti, Fernando Bini, Henrique Nardi e Bruno Porto.

Então marque na agenda: 7 de fevereiro, exclusivamente aqui no Brainstorm9, o áudio-documentário “Arte e Design”. Até lá!

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Esqueça todos os blogs de viagem, os aplicativos de geolocalização e os serviços online de recomendação de lugares: a artista Nabil Sabio Azadi criou um livro que coleciona nomes, histórias, telefones e mapas desenhados, pensando em retomar o espírito aventureiro dos viajantes com um guia “mais humano” para o mundo.

O livro, chamado For You The Traveller, é inteiramente feito à mão e com colaborações de trabalhadores, fazendeiros, artistas, escritores, cientistas e designers do mundo todo, oferecendo ideias e olhares de regiões de todos os continentes.

Entre as histórias estão a de Pardis Amiri, que fala sobre o Irã além do terrorismo e dos camelos; Jenny Lockie, que vive no prédio onde está localizado o elevador mais antigo de Seattle; Christopher Michael, que deixou a Austrália recentemente para vender sua arte pelo mundo.

Além de unir pessoas dos mais diferentes lugares, o projeto é também uma coleção de parábolas: cada colaboração vem com uma lição de vida, experiências universais e emoções a serem compartilhadas, criando um senso de comunidade ao redor do livro, como acontece nas viagens.

Está clara a mensagem da artista de encorajar as pessoas a caírem na estrada, a terem mais contato pessoal com o mundo, com os lugares a sua volta, com os viajantes e as histórias que carregam.

 

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É melhor olhar bem para estas obras de arte pois pode ser a última vez que você as veja para sempre. Esse é o conceito de uma nova exibição online, The Gallery of Lost Art, com curadoria do Tate. O projeto conta com raros trabalhos de Francis Bacon, Tracey Emin, Willem de Kooning e outros que atingiram um status imortal, em contrapartirda à efermidade e curto tempo de vida, por serem obras que, de alguma forma, estão sumindo.

A mostra ilustra como as obras de arte podem ser vítimas do destino, destruídas por acidentes ou simples azar. Além disso, a intervenção do mundo digital em trazer de volta à vida estas artes perdidas é algo interessante por si só: afinal, o site da mostra também irá desaparecer depois de algum tempo, levando embora aquilo que estava vivo. Mas, uma vez na web, as obras podem ser reproduzidas, compartilhadas e, assim, espalhadas por caminhos infinitos que as deixarão vivas para sempre.

De acordo com Jane Burton (Diretora Criativa do Tate Media), em entrevista no site da exposição, fala que o desafio era encontrar uma forma de mostrar as obras contando suas histórias. O resultado foi um novo olhar sobre arte: um site imersivo em uma vasta exposição, onde visitantes podem explorar as evidências e causas do desaparecimento das obras.

“The Gallery of Lost Art é um museu fantasma, um lugar de sombras e rastros. Só pode existir virtualmente.”

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Popular nas comunidades de fotografia, o movimento Lomography reflete um nível de sucesso que só cresce – com publicações de revistas, lojas físicas no mundo todo e lançamentos constantes de novos produtos no mercado. Completando 20 anos recentemente, tendo a Lomo LC-A como sua inspiração e maior referência, enquanto marcas de tempos similares como Polaroid e Kodak enfrentam a extinção, fica a pergunta: como esse movimento sobreviveu e triunfa nos dias de hoje?

“Em um mundo dominado por celulares e fotos triviais, a Lomography abraça a criatividade e o emocional” – Lomo Life: The Real Analogue Experience 

É raro um produto ser tão popular a ponto de criar uma subcultura inteira. Em 1982, os russos estavam apaixonados pela Lomo LC-A. Um compacto acessível e resistente projetado para o povo soviético, a câmera varreu a Europa e mundo afora, estimulando o nascimento do movimento Lomography. Os fãs da marca mantiveram a preferência do analógico em um mundo cada vez mais digital. Em 2012, o movimento é sinônimo de cultura hipster e inspirou inúmeros aplicativos digitais.

Todo mundo sabe que as tecnologias digitais tomam importantes papeis em nossas vidas. Para o gerente geral da marca nos EUA, em entrevista ao PSFK, quando se fala em “o futuro é analógico”, não significa que o analógico irá dominar o digital. Aqui se trata apenas de uma tendência em manter as ideias, as formas de fazer arte e as emoções analógicas vivas no futuro.

“Fotos analógicas são metáforas de ideias maiores, onde o real e o tangível são importantes para nós, e não apenas suas representações digitais”

Aí está o sucesso do movimento: engajar as pessoas em um nível emocional, de forma natural e familiar. O desafio de tirar uma foto sabendo que o filme é curto, a ansiedade de aguardar até ela ser revelada, o entusiasmo de segurar suas memórias na mão… São emoções perdidas com o digital, mas necessárias. Tanto que vemos surgir negócios voltados apenas para imprimir e dar vida às fotos do Instagram.

São 20 anos do importante papel da Lomography no mundo: garantir que as nossas ideias e sentimentos analógicos continuem vivos. E, para comemorar, foi lançado um vídeo com as melhores fotografias enviadas para o site nos últimos 20 anos:

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