Hasta La Creative!

“Quem somos? Aonde vamos? Nossa intenção é criar um manifesto da cultura moderna em que, por um tempo, o lugar mais interessante no país estará em movimento.” – Aitken

O último projeto do artista Doug Aitken, Station to Station: A Nomadic Happening, desafia os limites da arte tornando-a móvel e transformando um trem vazio em um estúdio e galeria de arte itinerantes.

Unindo artistas, músicos, designers, escritores e criativos de diferentes áreas e lugares para colaborar em um projeto de arte que tem por objetivo propor uma troca de culturas e conceitos entre artistas, público e cidades, o trem parte de Nova York em setembro e durante 3 semanas fará 10 paradas ao longo do caminho até São Francisco.

Em cada parada uma exibição de arte, filme, literatura e outras experiências baseadas na instância de mobilidade irão ocorrer dentro do trem, por entre os vagões que abrigam o estúdio.

O trem de Aitken estabelece uma consciência cultural global similar às ideias de experiência, espontaneidade e viagem de Jack Kerouac.

A proposta é tirar proveito de imagens, pessoas, vídeos, sons e demais inspirações encontradas em experiências que vão além do dia-a-dia em espaços já familiares. Aqui, a ideia é abraçar o novo e aprender com a jornada.

O projeto é patrocinado pela Levi’s, fazendo parte da campanha Go Forward. Algumas parcerias anunciadas como MoMA, SFMoMA e LACMA também ajudam a colocar o projeto em prática.

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
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Viajantes passando pelo novo Tom Bradley International Terminal (TBIT), no aeroporto de Los Angeles (LAX), talvez mudem de ideia sobre o stress dessa fase da viagem. Programado para abrir em agosto, o novo prédio terá enormes telas e um sistema multimídia interativo que prometem aos passageiros uma experiência única e imersiva, unindo arquitetura, narrativa e branding.

“Hoje em dia, a única parte mágica de viajar é quando olhamos a cidade do avião ou quando chegamos em casa. Queríamos criar sensações assim no aeroporto e trazer de volta essa magia.” – Sakchin Bessette, diretor da Moment Factory

Desenvolvido pelas agências Digital Kitchen e Moment Factory, de Montreal, o projeto conta com 4 horas de vídeo, sendo 40 curtas-metragem interativos que capturam os sentimentos e experiências maravilhosas de se viajar, e também a essência de Los Angeles. A intenção é tratar a cidade como marca, gerando uma expressão do que o turista pode esperar, sem pré-julgamentos e clichês.

Ao entrar no terminal, os viajantes são recebidos logo de cara com os vídeos rolando nos telões, junto à outras animações representando destinos populares e a urbanidade da cidade. Ao percorrer os corredores, há colunas de telas de LED que reagem e mudam em resposta aos passos de quem passa próximo à elas.

Para terminar, há uma torre com um relógio digital, reaproveitada de um antigo elevador, que resgata o visual dos relógios tradicionais das antigas estações de trem. A torre é interativa e, ao tocá-la, é possível observar a mudança de épocas.

O projeto quer trazer de volta aos viajantes aquela animação e romantismo de arrumar as malas, percorrer o aeroporto e embarcar no avião. Rituais que desde então se perderam em meio aos aeroportos lotados, hoje sinônimos de horas desperdiçadas, preços exorbitantes, longas distâncias e muito stress.

Alcançar tal objetivo vai muito além de telas gigantes e interativas, mas investir em ambientes de passagem – que ironicamente são onde mais gastamos nosso tempo – já é um começo para se obter boas surpresas.

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
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Quem nunca desejou sentar e andar pelas nuvens? In Orbit, nova instalação de  Tomás Saraceno, convida os visitantes à entrarem em uma cidade de nuvens.

Suspensa em mais de 24 metros acima do chão, a estrutura de redes se expande pelo grande museu de arte moderna de Dusseldorf, Kunstsammlung NRW. A construção de arame de aço pesa mais de 200kg, mas mesmo assim as esferas flutuam como leves nuvens de algodão-doce, deixando os visitantes moverem-se livremente entre os arranjos.

Saraceno passou 3 anos trabalhando neste projeto, em colaboração com engenheiros, arquitetos e até biólogos. Interessado na beleza e na força supreendente das teias de aranha, a instalação aborda e interage com o mundo natural através de inovação tecnológica.

Conhecido por quebrar as barreiras entre arte e ciência, Saraceno se refere às suas instalações interativas como “organismos vivos”.

“Descrever esta instalação é descrever as pessoas que interagem com ela e suas emoções.” – Saraceno

Os corajosos que subirem para o nível mais alto provavelmente irão descobrir um “mini-mundo” abaixo deles, enxergando miniaturas de pessoas movendo-se pelas nuvens. E aqueles que estiverem abaixo, encontrarão um mar de pessoas flutuando pelos ares acima deles.

O mais interessante é que o projeto não se trata apenas da grandiosa estrutura, mas também de quem a habita. Quando várias pessoas entram de uma só vez na grande rede, elas alteram a tensão dos cabos de aço e enviam as vibrações que se irradiam para o lado de fora, alterando o espaço e se comunicando com os outros habitantes da “cidade de nuvem”.

Assim, os visitantes podem coordenar suas atividades dentro do espaço, e são capazes – não muito diferente de aranhas – de perceber o espaço por meio de vibrações e conexões.

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
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O fotógrafo Mark Crummett enxerga beleza na tecnologia moderna. Para ele, as máquinas e dispositivos que usamos todos os dias não são apenas funcionais, mas carregam uma estética atraente. Especialmente o seu interior.

Crummett tenta destacar essa beleza na série de fotografias Ghosts in the Machine, onde coloca bonecos dentro de partes de computadores antigos, fazendo com que os processadores, cabos e placas formem uma espécie de paisagem urbana de outro mundo.

Ventiladores do computador se tornam ícones da arquitetura pós-moderna e placas-mãe novos ecossistemas.

Os bonecos das fotos são modelos em miniaturas, usados em maquetes de construções de linhas de trem. Eles foram escolhidos por serem de um tamanho adequado, por estarem em posições de trabalho braçal e por usarem roupas que os fazem parecer dos anos 40. Colocados no meio de partes de computadores, os bonecos se passam por viajantes do tempo.

“Somos tão cercados por tecnologia que ela se tornou nosso ambiente, nossa segunda natureza.” – Crummett

Outros personagens que se distinguem destes bonecos trabalhadores, como os coelhos, idosos e crianças, funcionam como metáforas de vírus.

Todas as fotos foram montadas em seu estúdio, após meses recolhendo todos os materiais necessários, criando e recriando cenas, para que o instante da foto contasse, de fato, uma história.

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
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Instalação que participou recentemente do Sight + Sound Festival, em Montreal, The Pirate Cinema usa os torrents mais baixados do Pirate Bay para projetar imagens da cultura pop – e suas origens e destinos eletrônicos – nas paredes da instalação.

As imagens projetadas visam tornar visíveis as atividades, a experiência e a geografia do compartilhamento de arquivos.

Através de um sistema automatizado rodando em cinco computadores ao mesmo tempo, é possível constantemente atualizar os torrents disponíveis e projetar suas imagens em grande escala nas paredes da sala. Assim que a imagem é projetada, o arquivo é descartado.

O sistema utiliza uma conexão encriptografada para tornar as máquinas usadas na instalação anônimas e para que cada arquivo usado permaneça nos computadores por pouco tempo.

O trabalho é do artista francês Nicolas Maigret, em parceria com Brendan Howell, que usaram softwares para interceptar dados e puxar os top 100 torrents mais baixados, com códigos escritos em PureData e Python.

“Meu objetivo era trazer o aspecto humano da rede para o centro da discussão dos downloads.” – Nicos Maigret

Muitas das técnicas usadas neste trabalho – open source, mashup, download, compartilhamento de arquivos via P2P – são baseadas em movimentos da cultura livre, não são reconhecidos pela lei e ainda levados pouco à sério como estudo e reflexão.

Projetos globais como esse são importantes para nos lembrar que, mesmo depois de 15 anos do nascimento do MP3, as discussões ainda são as mesmas.

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
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“Fazer uma boa compilação em fita é uma arte muito sutil. Muitos “faça” e “não faça”. Antes de mais nada, você está usando a poesia de outra pessoa para expressar como você se sente. Isso é algo delicado”.

A frase acima de Rob Gordon, o dono de uma loja de discos e aficionado por música personagem do livro/filme Alta Fidelidade, de Nick Hornby. E, realmente, gravar uma fita para alguém costumava ser uma arte, que meio que acabou esquecida no tempo. Foi ao encontrar algumas caixas de fita em casa, que o designer gráfico francês Benoit Jammes resolveu dar mais uma chance para que as fitas cassetes pudessem voltar a ser arte na série [o-o].

E se antes esta arte era expressa via áudio, agora ela é visual. Todas as obras deste projeto foram feitas com peças de fitas cassete, que foram cortadas, esculpidas e pintadas de acordo com a proposta do artista.

É interessante perceber que os trabalhos – que podem ser tanto vistos no site de Benoit como no Flickr – fazem constantes alusões a personagens dos anos 1980/1990, mas também à vida x morte. Segundo o próprio artista, isso aconteceu porque ele tinha em mente o conceito de “segunda chance” na vida, o que ele acredita que conseguiu oferecer às fitas.

É um trabalho divertido, pop ao extremo, que consegue conservar a inocência daquela época. Simples assim.

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
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Louis Vuitton é uma dessas marcas que sempre encontra maneiras de transformar uma viagem em não somente a busca pelo lazer, mas em papel criativo e artístico.

Dentre estes esforços está a coletânia de contos The Trunk, escritos por autores franceses, que traz histórias em torno do famoso e lendário baú da marca. Além disso, existem os Louis Vuitton City Guides, guias para viajantes de luxo com jornadas exóticas escolhidas a dedo por consultores no assunto, lançados juntos aos Travel Notebooks, cadernos de anotações de viagens com design colorido e dedicado aos destinos ligados à marca, como Nova York e Paris.

Neste mês, Louis Vuitton está lançando a sua mais recente adição à literatura de viagem: a série Travel Book, disponível nas lojas da marca no mundo todo. Para esta novidade, foram convidados 4 artistas de diferentes países para visitarem cidades estrageiras à eles.

O ilustrador francês Jean-Philippe Delhomme percorreu as ruas de Nova York, o artista americano Daniel Arsham descobriu a Ilha de Páscoa, o ilustrador japonês Natsko Seki viajou para Londres e Cheri Samba, criativa do Congo, visitou Paris.

Cada artista descobriu e explorou as cidades que foram destinados a visitar, observando tudo com novos olhos, resultando em desenhos e artes com formas e cores daquilo que viram e viveram. Folheando os livros, vemos arquitetura, lugares históricos, ruas familiares e outras que nunca vimos antes, cada traço trazendo o olhar e estilo do artista.

O leitor é convidado a partir em uma jornada criativa e visual.

Os livros são, na verdade, tours ilustrados pelas cidades. Não há quase texto mas há novas perspectivas de lugares que muitos dos que comprarão os guias já até visitaram, mas nunca desta forma. Abaixo, algumas das artes representando cada cidade.

Os livros custam $56 cada e também estarão disponíveis em edição de colecionador, com apenas 50 cópias de capa de couro, assinada e numerada pelos artistas.

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Em janeiro deste ano, entrou no ar o The Reconstructionists, projeto desenvolvido em forma de Tumblr pela escritora Maria Popova – conhecida pelo excelente Brain Pickings – e a ilustradora Lisa Congdon. A ideia é semanalmente, ao longo do ano de 2013, celebrar a vida e obra de mulheres que foram grandes artistas, escritoras, cientistas ou que colaboraram de alguma maneira para “mudar a forma como nos definimos como uma cultura e viver nossas vidas como indivíduos de qualquer gênero”.

A ideia é apaixonante, assim como sua execução enche os olhos. Enquanto Lisa Congdon cria belas ilustrações acompanhadas por frases ditas pelas mulheres ali retratadas – Agnes Martin, Gertrude Stein,  Frida Kahlo, Marie Curie e Susan Sontag são alguns bons exemplos -, Maria Poppova assina um pequeno perfil da homenageada, com direito a links para fontes mais elaboradas.

O nome do projeto é emprestado de um texto escrito em 1944 por Anaïs Nin (uma das homenageadas), sobre o papel da mulher na reconstrução do mundo, que independentemente do tamanho do trabalho, da época ou do reconhecimento, foram fundamentais para chegarmos até aqui.

O mais bacana nisso tudo é que The Reconstructionists é uma ótima referência para diferentes áreas, colocando em pauta temas como a criatividade, a maneira como encaramos a vida e expectativas, entre outros assuntos, e por isso mesmo acaba despertando algumas reflexões. Uma delas é o inevitável “e se fosse no Brasil”, quem seriam as mulheres retratadas? Fica a pergunta, acompanhada por algumas imagens selecionadas.

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O artista francês Bernard Pras trabalha com obras quase que inteiramente dentro do domínio da anamorfose, que significa “sem forma” ou “deformado”. É um efeito em que uma imagem irregular ou disforme pode ser vista de maneira regular apenas a partir de um determinado ponto de vista.

Suas criações focam em instalações construídas com os mais diversos objetos do cotidiano, e passa a reinventar retratos de artistas e obras clássicas, personagens de desenhos animados, ícones da história da humanidade e personagens da cultura francesa.

A última obra de Bernard Pras, um retrato do tamanho de um quarto do ator Sotigui Kouyaté, foi feita com roupas, tintas, madeira, borracha e outros objetos encontrados.

Se vista de um ponto de vista normal, aparente uma imagem distorcida. A obra foi criada, na verdade, em dois planos: no chão horizontal e na parede vertical. Apenas quando vista através da lente da câmera é que o retrato fica inteiramente visível.

Dependendo de que lado o espectador observar a obra de Pras, pode se deparar com ordem ou caos. O anamorfismo retoma a necessidade do olhar humano no dia a dia, pensando o mundo como algo que, às vezes, é preciso olhar duas vezes para entender.

“Uma questão que eu quero dividir é a experiência de ter uma primeira visão das coisas e depois perceber que há uma segunda visão” – Pras

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Com a ideia de mostrar a cara dos nova-iorquinos e turistas que rapidamente se movem pela Times Square, o artista francês JR montou uma cabine de fotos bem no meio de um dos cruzamentos mais movimentados do mundo.

O projeto, Inside Out New York City, que foi lançado como parte do programa de incentivo Times Square Arts, é uma continuação do famoso Inside Out Project, no qual os rostos das pessoas são colados em grandes estruturas no local em que moram, para todos verem.

“As ruas são a maior galeria de arte do mundo” – JR

O artista começou espalhando suas fotos gigantescas pelas ruas de Paris entre 2004 e 2006. Depois disso, seus trabalhos ganharam a África e a América (Brasil inclusive). Suas propostas envolvem colaboração do público (que muitas vezes pode mandar fotos para os projetos) e são carregadas de ativismo social.

Nesta ação que propôs na Times Square, qualquer um pode fazer fila para tirar uma foto 3×4 e ainda levar um poster com seu retrato para colar no chão, que se transformou em um enorme mural de rostos.

O projeto vai até 10 de maio, e o mosaico de sorrisos, palhaçadas e olhos encarando vai se expandindo na medida em que novas fotos são coladas sobre fotos antigas. Assim, na teoria, os rostos que um participante ver no mural serão de pessoas que acabaram de passar por ali, pouco antes dele. E assim por diante, criando uma conexão a partir de lugares e tempos desconectados.

Com o objetivo de mostrar ao mundo uma imagem abrangente de Nova York, o maior desafio do projeto é conseguir parar a multidão apressada que nem tempo tem de observar o que vê pelas ruas.

Um desafio que tem se mostrado vencido, ao tornar o processo de fotografar divertido e deixar visível o vislumbre de ter todas essas pessoas e suas personalidades unidas, pois normalmente ficam à deriva neste canto frenético do mundo.

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
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