Hasta La Creative!

Colecionando anos de trabalho em grandes casas noturnas de Berlim, a fotógrafa Sarah Schoenfeld resolveu levar ao seu último projeto uma consciência visual dos efeitos únicos das drogas.

Depois de observar de perto os comportamentos hedonistas em suas noites de trabalho, Sarah largou a distância do olhar voyeurista para se aproximar mais das substâncias e retratá-las de uma forma quase nunca apreciada.

Um estúdio fotográfico transformado em laboratório.

Para a série fotográfica All Your Can Feel, drogas legais e ilegais como cocaína, cristal, ecstasy, MDMA, LSD, heroína, ópio e até cafeína foram colocadas diretamente sobre filmes negativos.

Transformando seu estúdio em laboratório, a fotógrafa transformou as substâncias em misturas líquidas que, expostas sobre os filmes fotográficos, revelaram incríveis cores e formas.

Speed

MDMA

LSD

Heroína

Ecstasy

O resultado são composições únicas, de um visual verídico e extremamente próximo que revela o universo escondido por trás de cada droga.

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
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As famosas Lomos de filme possuem devotos seguidores e entusiastas do mundo analógico. Mas, neste novo produto, a marca dá um passo para o mundo digital.

O Experimental Lens Kit vem com 3 lentes diferentes, desenvolvidas para permitir múltiplas exposições na fotografia – um dos mais distintos recursos das Lomos tradicionais.

O kit vem com uma lente 24mm, uma de 12mm e outra fisheye com ângulo de 160º. Todas possuem abertura de f/8 e velocidade do obturador de 1/100. Junto, acompanham filtros coloridos que podem ser inseridos para diversos efeitos.

As lentes, no entanto, funcionam apenas com câmeras digitais que possuem o sistema Micro Four Thirds, criado em 2008 pela Olympus e Panasonic.

Segundo a Lomography, é possível usar o kit em outras marcas também, porém dependendo do sistema da câmera será necessário um adaptador.

Fugindo dos softwares e filtros ready-made do Instagram, por $89 as lentes são um toque analógico na câmera digital.

Alguns marcas como a Fujifilm lançaram câmeras com softwares que possibilitam estes efeitos. Mas, mantendo a tradição analógica, as lentes Lomography possuem obturadores mecâninos embutidos, para a produção de múltiplas exposições ópticas.

Suas lentes podem não trazer a melhor qualidade fotográfica do mundo, nem (ainda) ser compatível com a maioria das câmeras digitais do mercado. Mas é uma boa oportunidade para quem quer levar o visual analógico e efeitos “Lomo” para a câmera digital, sem depender de softwares de edição.

Mais fotos de exemplos dos efeitos de cada lente podem ser vistas na galeria do site. O kit custa $89 e está à venda na Lomography Store.

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
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Chris Bennett, fotógrafo de Portland obcecado por equipamentos antigos de som, passou anos frequentando pequenas lojas de reparos, observando habilidosos artesãos restaurarem máquinas, objetos vintages e todo tipo de equipamento analógico dedicado à música.

As fotos refletem o próprio estilo de vida de Bennet, em uma estética que combina ricas recompensas pessoais, mas escassos recursos financeiros. 

Até se envolver em estudos acadêmicos de fotografia, Bennet nunca tinha pensando em transformar essa sua paixão em arte. Seguindo conselhos de seus professores, nasceu o projeto House of Sound, que explora visualmente o mundo analógico da música e seus entusiastas, em uma viagem de Portland à Seattle.

O fato de Bennet ser um amigo, um consumidor e também um apaixonado pelo tema, propiciou conexões que o permitiram tirar fotos íntimas em lojas, casas e escritórios de pessoas que dedicam grande parte de seu tempo à música analógica.

Frustrações financeiras são encontradas visualmente aqui tanto na música quanto na fotografia. Dois mundos transformados completamente pelo digital, em uma era em que filme fotográfico e vinil não são mais necessários. Com o tempo, as constantes mudanças deixam pelo caminho uma legião de fãs e dedicados trabalhadores defasados frente à tecnologia, mas que dão ainda mais valor aos seus objetos antigos.

“Navegar por uma biblioteca digital não se compara com correr os dedos por entre as capas de discos.” – Bennet

Em entrevista para Wired, Bennet conta que enxerga sua coleção de fitas e vinis como um cartão de visita pessoal, para entrar na casa de seus amigos e trocarem gostos, histórias e sons.

House Of Sound reconhece heróis do cotidiano, pessoas que se recusam à deixar o glorioso mundo analógico do som desaparecer. Como Bennet, eles querem preservar essa história para futuras gerações, nascidas já mergulhadas em iPods e serviços de streaming.

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
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Em uma cultura imersa na tecnologia, de certa forma o aplicativo Instagram consegue reviver o espírito aventureiro daqueles que estão constantemente buscando ângulos inusitados, momentos cara a cara, emoções genuínas e relacionamentos reais para compartilhar com o mundo.

Como algo tão digital pode, de fato, tirar as pessoas de frente de suas telas, indo em direção ao mundo analógico?

Inicialmente concebido como um trailer falso para um projeto de estudos na Universidade do Texas e agora lançado recentemente como um curta-metragem, Instagram Is é uma criação do diretor Paul Tellefsen, que busca captar um novo olhar sobre aqueles que tem o Instagram como mais do que aplicativo e rede social preferida.

Paul Tellefsen viajou durante meses pelos EUA e trouxe como resultado um documentário de 25 minutos que explora a comunidade e os relacionamentos alimentados pela plataforma ubíqua que é o Instagram, e o que suas fotos e a rede criada em volta delas significam para eles.

Alguns dos usuários documentados são Allison Anderson, Kyle Steed e Brenton Little que, donos de algumas das maiores e mais seguidas contas, discutem como o aplicativo mudou suas vidas.

Instagram Is mostra que o aplicativo é muitas coisas: um app de fotografia, uma rede social, uma forma de se expressar e até uma dor de cabeça para alguns fotógrafos profissionais nostálgicos e pouco animados com estes novos conceitos.

Mas, acima de tudo, o documentárip consegue mostrar que, para a maioria de seus usuários, o Instagram é uma comunidade que vive além das telas e cliques.

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
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O termo “photoshopar” já é há tempos sinônimo de manipulação de imagem. Mas a prática é, na verdade, muito mais antiga e complexa do que o software, tão antiga quanto a própria fotografia.

Uma exposição que está rolando na National Gallery of Art de Washington explora justamente isso: copiar, cortar e colar – e como estes termos evoluíram, do seu nascimento à fotografia digital.

Hoje, com as ferramentas disponíveis, nada é o que parece ser. Mas esse sentimento de desconfiança sempre existiu devido às técnicas primitivas de manipulação.

A exposição passa por nomes como Gustave Le Gray, fotógrafo francês do século 19. Em uma fotografia famosa sua, a tecnologia disponível na época dificultava conseguir tanto as nuvens quanto o primeiro plano de paisagem na exposição correta. Para corrigir isso, Le Gray cortou as nuvens de um negativo e a paisagem de outro, combinando os elementos juntos em uma cena perfeita.

Com as limitações das câmeras, sempre haviam distorções e pequenos problemas no resultado, que eram corrigidos à mão para que a foto parecesse mais com a vida real.

Com a popularização da fotografia, artistas como os do movimento surrealista passaram a enxergar as limitações como experimentos. A manipulação de imagens passou, então, a ser uma ferramenta para compor arte e propaganda.

A National Gallery of Art, retrata, por exemplo, as falsificações fotográficas realizadas pela União Soviética, que usava recortes para compor estrategicamente os soldados de Stalin, criando uma estética particular e um significado de poder e liderança.

A exposição retoma questões da verdade documental na fotografia, explorando todos os lados da manipulação e sua produção de diferentes significados, que já era prática comum antes mesmo de o Photoshop ser ferramenta indispensável.

Abaixo, veja algumas destas fotografias.

Hearst over the People, 1939 (Barbara Morgan)

Advertisement for Texaco Inc., 1957 (Ralph Bartholomew Jr.)

Red Cap Snow Shoe Club, 1888 (William Notman)

The Pond — Moonrise, 1904 (Edward Steichen)

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
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Polaroid planeja abrir lojas físicas este ano, oferecendo serviço de edição e impressão de fotos direto do smartphone ou via redes sociais.

O primeiro espaço, Polaroid Fotobar, será inaugurado em Delray Beach, Flórida, no próximo mês. Os consumidores poderão enviar suas fotos do smartphone via WiFi ou via upload nas redes sociais (como Facebook, Instagram e Picasa) para a estação de trabalho, onde podem ser adicionados filtros e comandos simples de edição. Em seguida, as fotos podem ser impressas em diferentes tamanhos, materiais (papel fotográfico, metal, madeira, bambu, entre outros) e molduras.

A idea é transformar o arquivo digital, frequentemente esquecido depois de armazenado no celular ou nas redes, em uma verdadeira obra de arte. Uma memória tão real que pode ser pendurada na parede do quarto ou colocada na mesa de trabalho.

Polaroid é sobre compartilhar os momentos mais preciosos e memoráveis da vida. – Scott W. Hardy, CEO Polaroid

Hardy, em entrevista ao TNW, fala que a marca, há 75 anos, foi e continua a ser sobre auto-expressão, criatividade e diversão. Celebrar estes valores através da criação do Polaroid Fotobar é propício, dado o momento de euforia pela estética analógica vista em marcas como Lomo, Instagram e em tantas outras que retornam ao passado para buscar inspiração.

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Popular nas comunidades de fotografia, o movimento Lomography reflete um nível de sucesso que só cresce – com publicações de revistas, lojas físicas no mundo todo e lançamentos constantes de novos produtos no mercado. Completando 20 anos recentemente, tendo a Lomo LC-A como sua inspiração e maior referência, enquanto marcas de tempos similares como Polaroid e Kodak enfrentam a extinção, fica a pergunta: como esse movimento sobreviveu e triunfa nos dias de hoje?

“Em um mundo dominado por celulares e fotos triviais, a Lomography abraça a criatividade e o emocional” – Lomo Life: The Real Analogue Experience 

É raro um produto ser tão popular a ponto de criar uma subcultura inteira. Em 1982, os russos estavam apaixonados pela Lomo LC-A. Um compacto acessível e resistente projetado para o povo soviético, a câmera varreu a Europa e mundo afora, estimulando o nascimento do movimento Lomography. Os fãs da marca mantiveram a preferência do analógico em um mundo cada vez mais digital. Em 2012, o movimento é sinônimo de cultura hipster e inspirou inúmeros aplicativos digitais.

Todo mundo sabe que as tecnologias digitais tomam importantes papeis em nossas vidas. Para o gerente geral da marca nos EUA, em entrevista ao PSFK, quando se fala em “o futuro é analógico”, não significa que o analógico irá dominar o digital. Aqui se trata apenas de uma tendência em manter as ideias, as formas de fazer arte e as emoções analógicas vivas no futuro.

“Fotos analógicas são metáforas de ideias maiores, onde o real e o tangível são importantes para nós, e não apenas suas representações digitais”

Aí está o sucesso do movimento: engajar as pessoas em um nível emocional, de forma natural e familiar. O desafio de tirar uma foto sabendo que o filme é curto, a ansiedade de aguardar até ela ser revelada, o entusiasmo de segurar suas memórias na mão… São emoções perdidas com o digital, mas necessárias. Tanto que vemos surgir negócios voltados apenas para imprimir e dar vida às fotos do Instagram.

São 20 anos do importante papel da Lomography no mundo: garantir que as nossas ideias e sentimentos analógicos continuem vivos. E, para comemorar, foi lançado um vídeo com as melhores fotografias enviadas para o site nos últimos 20 anos:

Post originalmente publicado no Brainstorm #9
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