Men where men are not allowed
Advertising Agency: Publicis, Santiago, Chile
Creative Directors: Rodrigo Figueroa, Kote Kaid
Art Directors: Francisco Seisdedos, Claudio Ureta
Copywriters: Kote Kaid, Francisco de Diego
Photographer: Ale Burset
Published: January 2014
The way customers react with your brand has drastically changed in recent years. With the creation of many social media giants, such as Facebook, Twitter, and LinkedIn, audiences have many places to discuss and socialize about products before buying something. These customer interactions could be crucial elements to your business but you may be missing the bigger picture of how they can help.
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Sad that you didn’t make it to the short-lived Dumb Starbucks store in Los Angeles before health inspectors shut it down on Monday? You can still bring home a piece of comedian Nathan Fielder’s brand-jacking stunt, thanks to eBay. More than 100 Dumb Starbucks items are currently for sale on the auction site, ranging from cups and mugs to logo t-shirts.
If you’re impatient and don’t want to wait for an auction to end, there are a bunch of “Buy It Now” items on offer, including, as of this writing, a Dumb Starbucks grande cup (“Authentic ‘Dumb Starbucks’ cup obtained from ‘Dumb Starbucks’ located in Los Feliz, CA on Monday 2/10/14. Grande size. Includes lid. Logo appears to be hand cut. Great collectors item! Don’t miss out!”) for the low, low price of $500.
Or you can get a grande cup for just $200 if you don’t mind that a barista has written the name “Tyler” on it (“Have it personalized if you know anyone else named Tyler, LOL!… Purchased from ‘Dumb Starbucks Coffee’ in Los Angeles CA on 2-10-2014 at 3:00pm after a 3.5 hour wait Cup is clean and ready to ship!”).
Recentemente, vimos a carta Dylan Allen, filha adotiva de Woody Allen quando casado com Mia Farrow, na qual ela confirmava que seu pai havia abusado dela quando criança. Textos ora a favor de Dylan, ora duvidando, pipocaram por toda a internet. Não vou entrar nos detalhes do caso. Quem quiser, recomendo a leitura desses dois textos: a carta aberta de Dylan sobre o assunto e este texto de Robert B. Weide, responsável por um documentário sobre Woody Allen que foi ao ar nos EUA pela emissora PBS. No texto, Weide explica uma série de fatores que colocam em dúvida as acusações (ambos os textos estão em inglês).
O que mais me chamou a atenção no retorno da polêmica, que teoricamente já foi resolvida em 1993, quando Woody Allen foi absolvido pela corte americana, foi a quantidade de fãs dele se questionando “e agora, devo (ou posso) continuar fã?”. Certamente, ninguém quer correr o risco de ter sua reputação misturada a de um suposto pedófilo, simplesmente porque gosta dos filmes dele.
Mas será que tal associação, mesmo que feita de forma involuntária, é justa? Até que ponto devemos fazer tais questionamentos? Esse é um dos mais mais frequentes debates no campo artístico, e Woody Allen não foi o primeiro a ser objeto de tais dúvidas. Com certeza, não será o último. Este texto é uma infame tentativa de resposta para o dilema.
Woody Allen no set de “Match Point” (2005)
Quando Roland Barthes, semiólogo francês do século passado, escreveu seu famoso texto “A Morte do Autor”, de 1967, ele desenvolvia uma posição provocadora: em contato com uma obra, a única coisa que importa é o leitor. Seu ensaio era voltado especialmente a uma corrente de crítica literária muito comum em seu tempo, na qual buscava explicar obras publicadas a partir da biografia de seus autores.
“E agora, devo (ou posso) continuar fã?”
Segundo Barthes, a obra literária possuiria uma vida independente da vida do autor que a escreveu, sendo então o resultado de leituras, recepções e interpretações diversas no meio social. Nesta perspectiva, definir a qualidade ou alcance de uma obra partindo da limitação da vida do criador da mesma seria inconsistente. Para os curiosos, discutimos essa questão de Barthes no AntiCast 37.
Eu tendo a concordar com Barthes nesse ponto. Apesar de achar que o conhecimento sobre a vida do autor pode ajudar a um maior esclarecimento sobre detalhes de determinadas obras, quando vou à livraria ou ligo a TV para ver um filme, especialmente se for algo pouco conhecido, não me importa quem é o realizador. Caso o trabalho me chame a atenção, só então corro atrás para saber quem é o escritor, diretor, ator, e qualquer outro “or” (ou “ora”).
Mas, claro, esse não é o caso de Woody Allen. Seu nome é uma assinatura valiosa. Quem é fã, assistirá seu próximo filme sem pestanejar. Quem é simpatizante, poderá dizer que gosta de seus filmes e verá se tiver a oportunidade. E há sempre aqueles que nunca sabem o nome do diretor, e se surpreendem quando descobrem que o diretor de “Noivo neurótico, Noiva Nervosa” é o mesmo de “Meia-Noite em Paris”.
Trocando em miúdos: o nome Woody Allen vende, mesmo em seus filmes menos conhecidos. É um daqueles diretores de público fiel, uma aposta segura para os estúdios. Você com certeza consegue pensar em outros artistas que possuem o mesmo “selo de qualidade”, seja no cinema, na música, na literatura etc.
Claro, sempre há excessões. Um caso recente, no caso de Woody Allen, foi a fraca recepção ao “Para Roma com Amor”, em 2012, provavelmente por causa da alta expectativa causada após o sucesso que foi “Meia-Noite em Paris”. Ainda assim, seu nome continua forte.
Não estou falando nenhum novidade, mas o curioso é perguntarmos “será que o nome do artista sempre teve essa importância?”. A resposta é não.
Recentemente, um colega meu, o professor Rodrigo Graça, do curso de design da UTFPR, foi a Paris e postou uma constatação curiosa:
“A disciplina de História da Arte (HA) poderia se chamar marquetingue (sic), ou HA é um protomarquetingue. O culto as obras primas e o endeusamento do indivíduo, na figura do artista criador, é evidente em Paris. Lugares como o Louvre, o d`Orsay e a l`Orangerie tem filas absurdas, enquanto lugares como o Petit Palais e o Musée Centre du Patrimoine et de L`Architecture com excelentes exposições e, em janeiro de 2014, com exposições temporárias sobre Jordaens e sobre o Art-Deco respectivamente, estão vazios; vazios mesmo, sem filas, sem salas cheias, sem atropelo…”
Se pegarmos qualquer livro de história da arte, ao menos os mais famosos (tipo aquele Gombrich que você tem juntando pó na estante de casa), veremos que eles são recheados de nomes. Contudo, os nomes passam a surgir com mais frequência apenas a partir do Trecento, ou o chamado Pré-Renascimento, que marca a transição da Idade Média para a Idade Moderna, no século XIV. Alguns nomes que aparecem nesse período, apenas a título de curiosidade, são Giotto, Domenico Di Bartolo, e Ambrogio Lorenzetti.
O que quero dizer com isso? Por toda a Idade Média, com raríssimas exceções, os artistas que lidavam com artes manuais (esculturas e pinturas) não tinham grandes preocupações com autoria (ou, se tinham, eram contidos). Eram considerados prestadores de serviço, numa configuração determinada pela mentalidade medieval que declarava que toda capacidade de produção deveria ser em prol da representação religiosa. Não à toa, a assinatura do artista em suas obras é uma das marcas que assinalam o fim da Idade Média.
Não desejo entrar aqui nos méritos ou deméritos da mentalidade religiosa medieval e sua relação com a produção artística. Quero apenas enfatizar essa característica. Importante notarmos também que, no caso das artes de cunho intelectual, tal como música e poesia, a autoria foi mais levada em consideração. Os primeiros artistas plásticos do Renascimento, sendo frutos de um momento histórico de intensas revoluções culturais, são responsáveis por uma mudança de mentalidade da sua época: a luta pela valorização das artes manuais, de forma a mostrá-las como também oriundas de um intenso esforço intelectual. Por consequência, seus nomes passaram a ser importantes. Viu-se surgir a uma economia de reputações baseada na excelência de seus trabalhos.
Os ícones máximos do Renascimento, Leonardo da Vinci e Michelangelo, são exemplos claros disso. Da Vinci era conhecido como um artista excelente, mas que demorava demais para entregar suas encomendas, dado seu zelo com a qualidade do trabalho. A Monalisa mesmo, sua peça mais famosa, nunca foi entregue ao cliente, e estima-se que ele trabalhou nela por mais de 10 anos. Michelangelo era famoso por confrontar seus clientes, dizendo que eles não entendiam nada de arte e que deviam deixá-lo trabalhar em paz, pelo tempo que fosse necessário. E, claro, se deixassem de pagar, o trabalho era encerrado. Que sonho para criativos de hoje, não?
Por toda a Idade Média, com raríssimas exceções, os artistas que lidavam com artes manuais não tinham grandes preocupações com autoria
Os nomes dos artistas carregavam consigo reputações acerca da qualidade de sua obra, seu método de trabalho, seus preços, entre tantas outras informações. Com a difusão das galerias na Europa a partir do século XVIII, os nomes dos artistas passaram a ser ainda mais importantes. Quanto mais admirado fosse, maior seriam as visitas e as ofertas pelas suas obras expostas. Essa mesma lógica ganhou ainda mais força no mercado literário europeu do século XIX, quando vemos a proliferação do Romance (narrativa longa em prosa) como produto bastante consumido pela classe burguesa. É a época na qual os primeiros bestsellers passam a surgir.
Claro, há mais coisas a serem contadas nessa questão da formação histórica da importância do nome do artista. Poderíamos falar sobre as assinaturas dos pintores em suas telas, dos nomes dos escritores nas capas de livros, ou ainda da construção da idolatria aos diretores de filmes pelo fato de colocarem seus nomes nos créditos iniciais, dando assim a ideia de que ele é a figura mais importante na realização do filme.
Hitchcock é marcante nesse sentido, pois foi um dos primeiros diretores dos EUA a transformar seu nome em um selo de qualidade que vendia o filme com algum respaldo. Fato curioso: se olharmos, na mesma época, para a União Soviética, que desenvolvia sua indústria cinematográfica mais ou menos ao mesmo tempo em que o cinema de Hollywood está amadurecendo, o nome que tinha mais destaque nos créditos de abertura era o do roteirista, e não o do diretor. Podemos deduzir daí que a própria noção de autoria é determinada pelas condições sociais nas quais a obra artística é criada.
E isso me faz retomar a frase que citei do meu amigo há pouco. Até que ponto, hoje, estamos consumindo obras de arte e até que ponto estamos consumindo o artista? Há diferença? E, caso sim, qual é o mais importante?
Espero ter demonstrado, ao menos brevemente, o autor nunca foi algo muito importante pela esmagadora maior parte da história da humanidade. Passou a ser importante quando surgiu um mercado que consumia não apenas mais a obra, mas sim o nome atrelado a ela. No caso das artes plásticas, gosto de localizar esse momento no Renascimento – como na famosa Pietá, de Michelangelo, única obra sua que leva a assinatura do autor.
No caso das artes ditas “intelectuais” (música e poesia), podemos remontar aos gregos e romanos da antiguidade clássica – ainda assim, com uma série de restrições. A obra sempre foi mais importante do que o artista. Mas o tempo passa e, com ele, obviamente, as formas de nos relacionarmos ao ambiente em que estamos inseridos. Por isso, a pergunta torna-se pertinente.
Picasso era misógino. Caravaggio assassinou um homem. Rimbaud era contrabandista. Lorde Byron cometeu incesto, enquanto o escritor Flaubert pagava por sexo com garotos.
Há um excelente artigo do NY Times, assinado pelo crítico de arte Charles McGrath, chamado “Good Art, Bad People”. Recomendo a leitura do artigo e usarei parte dele para responder a pergunta que dá nome a este post. Vamos, então, à lista dos podres de artistas famosos.
Um ponto recorrente em vários artistas é o anti-semitismo. Neste caso, a lista é gigantesca. O compositor clássico Wagner, aquele que compôs a marcha nupcial, é um dos casos mais famosos nessa lista. Acompanham-no neste caso o pintor Degas, os poetas Ezra Pound e T.S. Eliot, além de Walt Disney e Mel Gibson.
Uma provocação: você acha que, ao tocar a marcha nupcial em seu casamento, você torna-se um anti-semita por tabela? E quando vê um filme da Disney ou um filme estrelado/dirigido por Mel Gibson?
Picasso era misógino. Caravaggio assassinou um homem. O poeta Rimbaud era contrabandista. Outro poeta, Lorde Byron, cometeu incesto, enquanto o escritor Flaubert, autor do clássico “Madame Bovary”, pagava por sexo com garotos (em tempos em que isso era um crime grave). Charles Dickens era um péssimo pai e marido, assim como Hemingway. John Lennon entraria nesse mesmo caso, especialmente quando pensamos no seu primeiro casamento, com Cynthia Powell, no qual teve seu primeiro filho, Julian.
Frank Miller, autor de quadrinhos que escreveu obras de inestimável valor, como “Batman Ano Um”, “Batman: Cavaleiro das Trevas”, “Elektra: Assassina”, entre tantas outras, é conhecido hoje por fazer comentários de alto teor racista a respeito de muçulmanos nos EUA.
Arthur C. Clarke, famoso escritor de ficção científica, autor de “2001: Uma Odisseia no Espaço”, recebeu sérias acusações de praticar pedofilia no final dos anos 90. As acusações foram, aparentemente, infundadas. Contudo, na época, muitos ligaram o fato dele residir no Sri Lanka, país com sérios problemas na questão de preservação dos direitos humanos, aos seus possíveis hábitos sexuais.
Roger Waters, ex-líder do Pink Floyd, também foi chamado de anti-semita no ano passado, por ter feito críticas duras ao governo de Israel. Ele se defendeu, dizendo que não estava criticando o povo judeu, mas sim o Estado de Israel. Independente do que quis dizer, a repercussão de suas críticas não foram das mais favoráveis.
Aliás, se formos para a música, teremos uma lista incontável, com os mais variados delitos. Axl Rose (e outros membros do Guns N Roses) confessaram que vendiam drogas antes de se tornarem famosos. Richie Blackmore, fundador do Deep Purple, era (e possivelmente ainda é) um babaca. Morrissey, fundador do The Smiths, já soltou declarações racistas para meio mundo. E se entrarmos no assunto “infidelidade”, esse post não terá fim.
Enfim, a impressão que tenho é que os “podres” dos artistas parecem só ter importância quando eles são próximos de nós, a ponto dessas manchas em suas histórias terem sido esquecidas pelo tempo. A pergunta que poderíamos fazer é “devemos esquecê-las”? Não acho que seja o caso. Contudo, não consigo também deixar de acreditar que a obra do artista continua sendo mais importante que sua figura. Todos morremos – algumas obras sobrevivem.
Sendo assim, apesar de condenar muitas das atitudes que listei aqui, não sei até que ponto é possível “higienizarmos” toda nossa biblioteca de livros, músicas e acervo de gostos artísticos em geral. Imagine a situação: para cada banda nova legal que ouço na rádio, procuro no Google sobre o passado dos artistas, para ver se eles merecem ou não minha atenção. Isso me parece inviável e, até certa medida, paranóico. Talvez seja mais saudável lembrarmos do clichê “de perto, ninguém é santo”. Nem você.
Sim, é possível e desejável. A obra de arte, especialmente aquela que sobrevive ao teste do tempo, é sempre mais potente do que o seu criador, seja no meio que for. Gosto de lembrar de Barthes neste momento e pensar que o que define a obra não é seu criador, mas sim o que fazemos com ela. Sei que essa resposta pode parecer covarde, como uma tentativa de isentar o autor de qualquer crime que tenha cometido no passado, mas realmente penso que é esse o caso.
Acho difícil que os Beatles, ao escreverem “Helter Skelter”, imaginavam que Charles Manson aconteceria. O mesmo vale para Salinger, e seu “Apanhador no Campo de Centeio”, no que se refere a Mark Chapman, o assassino de John Lennon. O verdadeiro perigo encontra-se no receptor da obra, e não nela em si – por mais perverso que tenha sido seu idealizador. Com isso, espero já ter destruído aquela noção simplista que você aprendeu em aulas de teoria da comunicação, na qual existe o emissor de uma mensagem e um receptor passivo, que só recebe a informação. O receptor é tão ativo quanto o transmissor. Às vezes, mais.
Outra questão é importante de ser levantada: a capacidade do artista em transformar-se em um Outro. Essa é uma noção que encontramos em vários momentos na obra do teórico russo Mikhail Bakhtin, especialmente quando analisa a obra de Dostoiévski.
A função da Arte não é te tornar uma pessoa melhor. Você pode até tentar fazê-la adequar-se aos seus desejos mais egoístas, mas isso é uma decisão exclusivamente sua.
Sobre isso, lembro da vez que conversei com o escritor Daniel Galera, no AntiCast 42, e perguntei como havia sido a experiência de escrever o livro “Cordilheira”, no qual o personagem principal, que é também o narrador da obra, era uma mulher.
Naquele momento, Galera teve de se demonstrar capaz de transformar-se num Outro – no caso, um do gênero feminino. O contrário também é comum: autoras que escrevem protagonistas homens – e nem precisamos falar de situações mais malucas, como humanos que escrevem sobre elfos, monstros, anjos, demônios etc. Se o artista estivesse confinado em si mesmo, todas as histórias seriam autobiográficas. Graças à capacidade criativa dos autores, podemos garantir que este não é o caso.
Obviamente, não quero isentar ninguém aqui de culpa. No caso de Woody Allen, sou da opinião de que, se cometeu abuso a uma criança, ele deve ser responsabilizado por isso. O mesmo vale para Polanski e qualquer outro que cometa um crime – especialmente com a gravidade dos casos de cada um. Contudo, suas produções artísticas parecem ser maior do que isso, como se elas não tivessem culpa de terem surgido de pais tão ruins.
O que quero dizer, da forma mais direta possível, é o seguinte: se você é fã do trabalho de Woody Allen, isso não te torna um cúmplice de seu suposto crime. Seria preocupante se você concordasse com sua conduta pessoal. Mas o trabalho do artista, por mais que seja, de alguma forma, um reflexo de sua vivência (em maior ou menor grau), é um trabalho de criação que busca extrapolar os limites da sua própria realidade. Importante citar também que, ao menos legalmente, Woody Allen já foi inocentado pela corte estadunidense na década de 1990, como já citamos no início do texto.
Se você é fã do trabalho de Woody Allen, isso não te torna um cúmplice de seu suposto crime
Para tornarmos essas considerações um pouco mais complexas, é interessante percebermos que é possível o autor “ser um santo” (ou pelo menos parecer um) e criar ótimos vilões ou anti-heróis: o romance “Lolita”, de Nabokov, que narra a história de um pedófilo, é um desses casos. O recente filme “O Lobo de Wall Street”, de Martin Scorsese, é outro. Toda a filmografia de Gaspar Noé, diretor do pesadíssimo “Irreversível”, é mais um. A lista de ótimas obras com temas horríveis é também infinita. Você pode não concordar com a atitude ou conduta dos personagens, mas isso não tira o mérito de serem boas histórias/obras, nem necessariamente exigem que se credite uma “mente doentia” ou um passado criminoso ao autor.
Caso você ainda acredite que a biografia do artista é fundamental para seu trabalho, e que um criador que tenha sua “ficha suja” deve ser ignorado pelo seu estimado “bom gosto”, eu lanço aqui uma última provocação: a função da Arte não é te tornar uma pessoa melhor. Você pode até tentar fazê-la adequar-se aos seus desejos mais egoístas, mas isso é uma decisão exclusivamente sua. E se você acredita que essa deve ser a função dela, você não a entende. Ao procurar apenas por autores higiênicos, você diz mais sobre si mesmo e sua visão de como o mundo deveria ser do que sobre as obras que recusa.
Portanto, sujemo-nos.
Post originalmente publicado no Brainstorm #9
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Cards Against Humanity's promotions are as bitingly sarcastic as the game itself—whether they're charging more for the game on Black Friday, experimenting with a "Pay what you want" model (which outright insulted anyone who chose to pay less than cost) or teaming with Netflix just this week for an already sold out House of Cards pack.
But the card game's recent "12 Days of Holiday Bullshit" promotion was truly something special. In December, 100,000 people paid $12 for 12 gifts from CAH, with no idea what they'd get. They sold out in less than six hours. And then, incredibly, they really did give 100,000 people 12 gifts each (and then some).
AdFreak caught up with Ben Hantoot, one of the founders of CAH and the design force behind Holiday Bullshit, for a postmortem.
AdFreak: Start at the beginning. How did you come up with this bullshit?
Ben Hantoot: As you may know, in 2012 we did a pay-what-you-want expansion pack for the holidays. We donated all the profit to Wikimedia—about $70,000—making us a "major benefactor," which made us feel important. We also got a very healthy press response, and the fans loved it. For 2013, we had to one-up ourselves. We'd thought about doing another pay-what-you-want pack, or some other similar gag, but ultimately we decided to do almost exactly the opposite—you pay us $12, and we won't even tell you what you're getting. We came up with the name "12 Days of Holiday Bullshit" very suddenly … no one even remembers how that happened, but it sounded great and we stuck with it.
Did you expect it to sell out as fast as it did?
Among the eight of us, everyone had their own opinions about how long it would take to sell out, but most people were predicting more like two to five days. Six hours was much faster than anyone thought. Watching the counter was kind of terrifying. We were amazed the website didn't crash.
Would you have pulled it off without getting 100,000 people on board?
Everything was already manufactured by the time we started selling the $12 slots, so if we ended up selling less than 100,000, we just would have lost even more money on this giant thing.
Speaking of money, how much money did you make on Black Friday when you increased the price of your card game by $5?
It worked so well! We had about the same jump in sales we had in 2012, normalized versus the previous Friday, but then if you look at Saturday to Monday, we did much, much better than 2012, thanks to silly publications like Adweek who posted all about it.
Back to the Holiday Bullshit. What kind of feedback did you get from fans?
Most of the feedback fell into one of two categories: "OMG THIS IS SO AMAZING AND WORTH MORE THAN $12" and "WTF MY ENVELOPES ARE LATE YOU SHOULD DIE."
The "Tell Santa CAH what you want for Christmas" section that appeared after you paid your $12—what function did that serve?
We also asked people the nicest and naughtiest things they did in 2013. Then we sorted through the responses and picked out the ones that were either really funny or really sweet, and actually sent people what they asked for.
A very enthusiastic fan for whom you bought a Lord of the Rings card game contacted me personally on a crusade to get you some press in return for her gift. What else did people get?
We sent one guy a few trillion Zimbabwe dollars, another some beef jerky, a few others a Roku or fresh socks or Space Jam on VHS. Some people who had good stories but stupid requests got books and DVDs by the artists we worked with on the comics page. It was a lot of fun.
How far in advance did you start planning all the shenanigans?
I started working on production in June. Concepting started way back in March and April. We had the 12 days idea nailed down a long time before we decided exactly what each day was going to be. A few discarded ideas for days: an envelope containing 10,000 Vietnamese dong; an essay ripping apart American holiday culture by Slavoj Žižek; a sachet of live crickets; loose, ambiguous white powder.
What you ended up going with was interesting. Days 1, 3, 5, 7 (NSFW), 9 and 11 (NSFW) were additional cards to expand your CAH game, and each one came with a low-budget online video featuring online stars like ukulele nerd Molly Lewis, Song a Day guy Jonathan Mann and even comedy nerd-core band Paul and Storm. How did you get all of those Internet celebrities to buy into your bullshit? And how did you keep them quiet?
We've made many friends over the years going to conventions and supporting other indie gaming businesses online and offline. Plus, we've built up a brand for ourselves over the years that is very no-B.S. and generally trustworthy. Basically, we just asked people to be part of this, and almost all of them said yes!
Day 2 was a lump of coal. You mailed us a real, albeit minute, lump of coal, and made a ridiculous trailer for it. A lot of people got Day 2 as their first mailing and thought it was the only thing they were getting.
We shipped out the coal as Day 2 basically to mess with people and upset them and make them feel like they wasted their $12. But it turns out USPS gives timing estimates that are so far off base as to be useless. And Canadian customs also didn't like the coal at all.
How did you get all that coal into tiny baggies?
We wrote a whole blog post about that, actually. Basically, we shopped around for a coal supplier that already offered tiny broken-up lumps. When we found it, we had a fulfillment center sort it all into 100,000 dime bags each containing three pieces of coal less than a quarter inch thick (any thicker than that and we'd have to mail it as a parcel, which would have cost five or six times as much). This took a whole team of people over a week to do. Sorting the coal was one of the most expensive and time-consuming parts of the whole process.
Which brings us to Day 4, which was an entirely new self-contained card game called ClusterF*ck, where the objective is to give your friends chlamydia. You gave it to everyone in the promotion, but people can also download it for free.
We made Clusterf*ck Day 4 to make up for the coal. We think Clusterf*ck was probably the best gift. Throughout the whole process, we had to keep in mind the restrictions of USPS's definition of a "letter"—no larger than 11.5 by 6.125 inches, no thicker than a quarter inch, no heavier than 3.3 ounces, and tightly packed within the envelope. If we messed up anywhere, we'd lose a ton of money on postage. It also directed a lot of the design of Clusterf*ck, which we think turned out super well. To meet the weight restrictions, we used mini cards instead of normal cards.
To meet the thickness restrictions, we packed the cards into three small piles instead of one big one. And to make the whole thing reusable, we put the cards in a closeable plastic pouch within a sturdy card-stock folder that doubles as the instructions. We're super proud of having designed a whole game with over 40 cards that can be manufactured, shipped from China and then mailed to a person's house for less than $1.
Day 6 was mini-posters of popular CAH cards created by The Post Family. Pretty self-explanatory. But each day also had artwork on the envelopes. Who was the artist there?
This awesome dude named Mare Odomo. We just gave him the very basic direction to make some jokes based on the 12 Days of Christmas, and he killed it. "Two turtle doves" is probably my favorite.
Day 8 was a zine of comics from some of the most popular and generally awesome Web comics online, including Hyperbole and a Half, Dinosaur Comics and many, many more. How did you pull that one off?
The USPS's restrictions were also super important for some of the bigger days, like the posters and the funny pages. It meant the posters had to be smaller and thinner than they originally were, and it meant we had to cut the funny pages down to a totally custom newspaper size.
For Day 10, CAH donated $100,000 to charity funding 299 public school projects on DonorsChoose.org. I thought the charity gift was inspired. Why did you pick DonorsChoose?
DonorsChoose is an incredible charity. Your dollar really goes a long way, and you know the money isn't being wasted. We made a fun infographic outlining how many kids we were able to help for just $100,000.
Finally, on Day 12, you gave everyone a CAH card with their name on it.
Sorting the name cards was also a crazy process. Remember that each individual card had to be connected to a specific address. The mailing house wanted us to print a number on each card, but there was no way we were going to do that, so instead we came up with a convoluted system where the cards were divided into hundreds of smaller batches and each insertion of a card into an envelope was individually checked.
To be honest, I'm slightly worried about including the card with my name on it when I play the game. Did you put your name card in with your deck?
Oh, hell no. Terrifying!
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Following a review, the New York office of Lowe Campbell Ewald, which officially opened its doors on Jan. 1, has won its first client, namely De’Longhi North America, which specializes in espresso and comfort products. From what sources tell us, this marks first consumer initiative in the US for the brand, which is headquartered in Treviso, Italy. Regarding the LCE NY appointment, De’Longhi North America VP of marketing Linda Passaro says in a statement, ““Our team was extremely impressed with Lowe Campbell Ewald’s experience in building business, as well as the unique, disciplined process of gathering consumer insights to lead creative development. We are eager to begin building our partnership and to launching our marketing efforts in North America, bringing the De’Longhi Italian experience to consumers at home.”
As a result of the win, De’Longhi now joins a client roster at Lowe Campbell Ewald New York that includes Unilever, Snuggle and the Milk Processor Education Program, as well as other premium brands in the LCE U.S. portfolio such as Cadillac, the US Navy and OnStar.
New Career Opportunities Daily: The best jobs in media.
My father owned a Beetle. I’ve owned two VW GTIs and one VW Passat. Volkswagen, it seems, is in our blood. And so it was with great pleasure to see this documentary Toronto-based Red Urban created which tells the 58 years story of VW Beetle VIN #903847.
After stumbling upon archival pictures featuring a man and his 1955 Beetle, Volkswagen Canada along with Red Urban, knew they had a story to tell. Tracking down 82-year old Paul Loofs, the man in the pictures, was just the beginning of a year-long project to bring the story of VIN 903847 to life.
Working closely with director Hubert Davis, of Untitled Films, and Paul Jutras, of Rooster Post, Red Urban created the thirty-minute documentary ‘Once More, The Story of VIN 903847’, which premiered on Discovery Channel and Bravo in January.
Of the project, VW Brand Marketing Manager Lynne Piette said, “We feel that it really speaks to our fans, not only reinforcing the emotional connection so many people have to the brand, but celebrating the truly remarkable stories that so many of our owners have. It is not so much about a single car, although this Beetle is remarkable, it is more about how one car connects so many different people and their experiences, proving itself as The People’s Car.”
When my Dad sold his VW Beetle after owning it for over ten years, I was too young to put up a fight. Were I a bit older, I might have had something to say.
VW Beetle VIN 903857 has 184,000 miles on it and is still on the road. My 1999 VW Passat, VIN WVWMD63B2XE215477, has 204,000 miles on it and it’s still going. It hasn’t been around the world three times and its 204,000 miles consist mostly of mundane interstate travel in the Northeast but it gets me where I need to go. Even if it is leaking oil and making funny creaking sounds when I turn.
(TrendHunter.com) Slice and dice your ingredients on these quirky but intricately designed butcher boards and never go back to regular cutting boards again.
Every kitchen needs an unconventional culinary accessory…
Facebook has allowed over 1 billion people to be their most narcissistic selves online. But with a growing segment of its users seeking anonymous venues to express their true selves freely, CEO Mark Zuckerberg has succumbed to market pressures, saying last month that Facebook will be developing apps allowing users to sign in anonymously.
But can users trust that Facebook will uphold their anonymity?
L’agence Make Architects de Londres a conçu deux kiosques en préfabriqués sur la place Canary Wharf. Le kiosque est en fait un bloc rectangulaire compact qui, quand il s’ouvre pour accueillir des clients, imite la forme géométrique de l’origami. Un kiosque original en métal sculpté est à découvrir en photos et en vidéos.
The Concept :
The Prototype :
When they stumbled upon archival pictures of a man and his 1955 Beetle, Volkswagen Canada and Toronto-based agency Red Urban realized they had a story to tell. As it turns out, that story is pretty amazing. They tracked down the man in the photo, Paul Loofs, who has driven the car around the world three times. Amazingly enough, that car is still running.
So Volkswagen Canada and Red Urban teamed up with Academy-nominated director Hubert Davis to tell his story in an (approximately) 30-minute documentary film. That documentary, Once More, The Story of VIN 903847, premiered on Discovery Channel and Bravo in January and is featured above (not a bad way to spend a lunch break). It tells the story of Loof’s unlikely, low-budget solo treks around the globe, which included many obstacles and unexpected, fortuitous events. Loofs eventually sold the car back to Volkswagen for use in an advertising campaign. A man named Emmanuel Thuillier bought the car and tracked down Loofs on the Internet, then surprised him by reuniting him with the vehicle for the first time since 1967.
“We feel that it really speaks to our fans, not only reinforcing the emotional connection so many people have to the brand, but celebrating the truly remarkable stories that so many of our owners have. It is not so much about a single car, although this Beetle is remarkable, it is more about how one car connects so many different people and their experiences, proving itself as The People’s Car,” said Volkswagen Brand Marketing manager, Lynne Piette. The documentary will continue to air on Discovery Channel and Bravo until February, with the following showtimes:
New Career Opportunities Daily: The best jobs in media.
It's flashback week for fans of 1990s hip-hop, with Sean "Puff Daddy" Combs and Snoop Dogg making advertising cameos that would have seemed inconceivable 15 years ago.
Combs, known these days as Diddy, headlines a new 60-second spot from Fiat and ad agency Doner. In the ad, we see two men wandering the desert in a delirious haze, unsure if they're really being saved by a celebrity or just imagining a mirage.
Meanwhile, Snoop, who has gone by Snoop Lion lately, has popped up in, of all places, a British auto insurance ad from agency Mother. He narrates the story of a dorky white guy named Phil who saved money by getting insurance from MoneySuperMarket and now feels "epic." Feeling epic, in this case, means driving an invisible car and hanging out at inner-city street parties.
It's not exactly jarring to see these two iconic rappers in ads, since both have been frequent marketing mouthpieces in recent years. But it's still entertaining to imagine how they would have reacted to the words "Fiat" and "MoneySuperMarket" in 1997.
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(TrendHunter.com) These Disney drinks take what’s good from popular Disney films and mixes them into delicious alcoholic beverages. Whether it’s Cinderella, Maleficent or Snow White, Cocktails by cod has…
Advertising Agency: Saatchi & Saatchi, Brussels, Belgium
Account Manager: Jonathan Moerkens
Creative Directors: Jan Teulingkx, Alexander Cha’ban
Art Director: Arnold Hovaert
Copywriter: Damien Veys
Production: Caviar
Art Buyer: Gaelle Haesaert
Oscar Wilde once said, “The only thing worse than being talked about is not being talked about,” and that is certainly the case with Coca Cola’s controversial Super Bowl ad that stirred up a heated debate and claims the No. 1 spot on this week’s chart with 13.7 million views.
The commercial that features people of diverse backgrounds singing “America the Beautiful” in nine different languages generated a social media uproar among conservative pundits for being un-American and offensive. Coca Cola has since launched a 90-second version of the ad which aired during the opening ceremony of the Sochi Olympics.
The only campaign in the chart unrelated to the Super Bowl is one that was made for the other game: the Winter Olympics. With all of the recent criticism surrounding Russia’s anti-gay legislation, the Canadian Institute of Diversity and Inclusion also followed suit by releasing a humorous tongue-in-cheek spot that illustrates how the games have always been a bit gay. It takes the No. 10 seat this week with 6 million views.
If his profile being removed from the leadership page wasn’t proof enough, a phone call has confirmed that John Antinori is no longer at R/GA. Not sure about the details of his departure or if he’s headed somewhere else as of yet, but we’re checking. Anyhow, if you didn’t know, Antinori had been with the agency for the digital age for nearly 15 years and spent the last eight heading up its production department, first under the title of SVP/managing director, production and then the more fancier position of EVP/chief production officer. Prior to his lengthy stay at R/GA, Antinori worked as a producer/game designer for the likes of Take 2 Interactive.
New Career Opportunities Daily: The best jobs in media.
Hey, professional truth-benders. Here's a sweet mockumentary-style PSA about professional truth-bending. Extra bonus if you also happen to be a tree hugger.
In addition to fairly broad swipes at snake oil salesmen (you must have known the advertising industry was a popular punching bag when you got into it), the spot—funded by organic businesses—is aimed at illustrating how the use of the word "natural" on food labels is pretty much meaningless. It makes its point well, if a bit repetitively—at four-and-a-half minutes long, the script manages to work in enough sharp moments and little twists to keep it interesting. And in case you're wondering, the gist of its argument is true.
"From a food science perspective, it is difficult to define a food product that is 'natural' because the food has probably been processed and is no longer the product of the earth," says the FDA in its explanation of the subject, which goes on to declare what's more or less a nonposition.
The spot includes industry easter eggs like an art director hovering over a designer, telling him to make the natural logo BIGGER. But the real treat is the performance of Josh Childs in the lead, who's something like a cross between Dr. Leo Spaceman and Michael Scott if they ran an ad agency.
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Sponsors of the Winter Olympics in Sochi are portrayed as the “partners in crime” of a “maniacal Russian despot” in a parody of the Hunger Games film franchise.
Le président du Real Madrid Florentino Pérez a récemment dévoilé le projet gagnant pour le redesign du stade Santiago Bernabeu. Ce dernier, proposé par GMP Arquitectos , L35 et ribas & ribas arquitectes, fait du stade un lieu à part et celui le plus moderne et développé du XXIe siècle. A découvrir dans une série d’images.
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